Pour dessiner un paysage urbain, il faut respecter certaines règles de base. Car c'est l'ensemble de ces règles qui construisent la perspective. Pour certains ce sujet paraît rébarbatif. Cependant, pour que le dessin soit fidèle à la réalité, la clé d'or réside dans l'élaboration de sa perspective.

Il existe de nombreuses perspectives différentes. Mais dans cet article, nous allons aborder que les notions essentielles pour débuter :

• Petit lexique de base
• La perspective frontale
• La perspective oblique

Petit lexique de base

La perspective

La perspective se construit par différentes lignes : lignes fuyantes, ligne d'horizon, lignes verticales, points de fuites, etc. L'ensemble de ces lignes, forment pour ainsi dire "l'ossature" d'un dessin. La perspective donne a un dessin, l'illusion de profondeur et permet de placer les volumes.

 Légende :

Jaune : encadrement

Vert : lignes verticales

Bleu : lignes de fuites

Rouge : ligne d'horizon

 Ligne d'horizon

C'est une ligne qui est tracée à l'horizontal, pour déterminer la hauteur et le positionnement de l'observateur. Pour ainsi dire, elle se situe à la hauteur des yeux. Dans la construction d'un dessin urbain ou paysage, la perspective est la première ligne à être tracée. Elle est importante pour positionner correctement, tous les volumes de la scène d'un paysage. Si cette ligne est haute, on aura l'impression de regarder en bas. Par contre si elle est basse, on aura l'impression de regarder du haut. C'est sur cette ligne ou convergent tous les points de fuites.

Point de fuite

C'est le point où se rejoignent, les lignes dites fuyantes. La perspective à point de fuite, à était très utilisée par les peintres pendant la Renaissance. Une perspective peut comporter plusieurs points de fuite. Tout dépend de l'angle sous lequel se place l'observateur.

Les lignes de fuites ou fuyantes

Elles permettent de tenir compte de la décroissance d'un ensemble architecturale, d'une voie, etc. Elles vont toujours en direction de la ligne d'horizon.

Les lignes verticales

Elles sont toujours perpendiculaires à la ligne d'horizon. Par nature les bâtiments sont droits : la construction est bien verticale. Mais tout dépend encore, de la position de l'observateur.

 La perspective centrale (ou frontale)

 C'est la plus simple a réaliser. Les horizontales et verticales restent parallèles, seules les lignes de coté convergent vers le point de fuite A.

 La perspective oblique

 Dans ce type de perspective, les deux points de fuite A et B sont placés sur la ligne d'horizon. Toutes les lignes verticales sont parallèles.

J'espère que cet article vous a été utile.

A bientôt, Dominique Galietti

Portrait de la chanteuse Barbara, réalisé au feutre noir sur papier. A ce sujet j’ai un article qui pourrait vous intéresser : Dessiner un portrait d’après une photo.

Voici le dessin d'un portrait de Frida Kahlo, réalisé au feutre noir à pointe fine. Remarquez tous les détails du portrait.

Comment créer ses couleurs de base

Le marron

Sur votre palette, placez les trois couleurs primaires : rouge, bleu et jaune. Puis prenez un peu de rouge et de jaune, et mélangez jusqu'à obtenir un orange. Maintenant ajoutez progressivement, une pointe de rouge et de bleu jusqu'à obtenir votre marron de base. 

C'est à partir du  marron de base, que vous allez créer tous les marrons ou beiges nécessaire. Soit en ajoutant du jaune pour faire de l'ocre, ou du bleu pour créer un marron foncé. 

Pour créer un beige, vous ajoutez du blanc de titane avec une pointe de rouge.

Le vert

Sur la palette, placez les trois couleurs primaires. Maintenant mélangez à part égales, du bleu et du jaune pour obtenir un vert. Afin de rendre ce vert plus chaud, ajoutez une pointe de rouge et vous avez votre vert de base. 

Maintenant vous pouvez décliner ce vert sous différentes nuances. Soit dans une teinte plus claire, en ajoutant du jaune. Soit plus foncé en y incorporant du bleu et du rouge.

Le bleu

Sur votre palette, placez les deux couleurs  primaires, bleu et rouge puis du blanc de titane. Prenez une bonne part de blanc, ajoutez un peu de bleu et mélangez. Maintenant incorporez une pointe de rouge (très légère), pour obtenir votre bleu de base. 

Pour créer une teinte plus claire, ajoutez a votre bleu de base du blanc. Pour le rendre plus sombre, plus de bleu et de rouge.

 Le blanc de titane, est très utilisé en peinture, car il est vif et brillant.

Quelques détails techniques

Je peins à l'acrylique depuis de nombreuses années, et l'un des avantages, c'est sa facilitée d'utilisation. En fonction de vos créations, vous pouvez l'utilisée directement sans la diluée. Par exemple, pour peindre un fond de toile unis, ou pour un travail par empâttement. 

Le diluant

Bien qu'il existe des diluants intéressants pour peinture acrylique, personnellement je n'utilise que de l'eau. D'ailleurs cette peinture sur papier, à été réalisée de cette façon.

Cependant faites attention à ne pas trop diluer la peinture acrylique. Car avec le temps, elle peu devenir moins adhérente au support.

Faite attention à vos pinceaux

Les pinceaux que vous n'utilisez pas, placez les dans un récipient d'eau, pour qu'ils ne sèchent pas.

Pensez à humidifier votre palette de peinture

L'avantage de la peinture acrylique, c'est que le travail est rapide, car elle sèche vite. Mais pour les couleurs de votre palette, c'est pas le top ! Ayez le reflex d'avoir un petit vaporisateur d'eau à portée de main. Et de tant à autres, pulvérisez légèrement les couleurs de votre palette.

J'espère que cet article vous a été utile.

A bientôt, Dominique Galietti

Dans cet exercice, vous allez apprendre à dessiner un portrait d'après une photo. Pour cela, je vais vous faire découvrir une technique de dessin : la mise au carreau.

Cette technique vous permettra de réaliser un croquis, avec des proportions correctes par rapport à votre photo de départ.

Voici les principaux points de cet article :

• La mise au carreau 
• Comment positionner le portrait.
• Conclusion.

 Maintenant nous allons voir, comment mettre en pratique cette méthode qui à déjà fait ces preuves, auprès des maîtres de la Renaissance.

Matériel :

Un portrait (photo)

Une feuille de papier dessin 180 g/m²

Une règle

Un crayon à papier HB

Une gomme blanche

Mise en place de la technique

Pour bien comprendre, nous allons nous basé sur notre sujet du jour : un portrait de Jules Verne (1828-1905).

En un premier temps, je vous conseille d'imprimer votre photo en pleine page dans un format A4. Cette étape vous permet de ne pas abîmer votre image originale, et de l'agrandir pour plus de confort visuel.

Sur votre copie A4, commencez par tracer un cadre (ligne bleu Fig.2). Afin de vous facilité la vie, arrondissez ces mesures à un chiffre rond. Pour notre portrait les mesures sont les suivantes : H = 29 cm ; L = 20 cm.

 Tracez autour du cadre, des traits de repères espacés de 1 cm. Pour réalisé votre quadrillage, il suffit de rejoindre les traits avec une règle, pour former des carreaux de 1 cm.

Maintenant que le quadrillage est en place, il faut le reporter sur votre feuille de dessin. Par ce principe, notre portrait de Jules Verne, sera de même dimension que la photo originale (copie A4).

Si vous souhaitez agrandir votre dessin, par rapport à votre photo originale, c'est très simple. Par exemple sur votre feuille de papier, vous allez multiplier par 2 les mesures du cadre, afin d'obtenir des carreaux de 2x2 cm. Ainsi votre dessin sera 2 fois plus grand par rapport à la photo originale.

Comment ça marge ?

 Pour vous repérez rapidement sur le quadrillage, je vous conseil de placer des points de repères. Sur la ligne verticale du cadre numérotez vos carreaux, sur la ligne horizontale placez des lettre A, B, C, etc.

Puis faites de même sur votre dessin. Lorsque vous tracez  le quadrillage, n'appuyez pas trop car il faudra le gommer plus tard. 

Comme vous pouvez le remarquer sur, cette technique permet un bon positionnement au niveau du dessin, surtout pour le portrait. 

Comment positionner le portrait

Ce portrait est complexe par sa chevelure ondulée et son visage barbu. Mais la "mise au carreau", va vous faciliter le positionnement. Pour cela il y a des étapes à respecter, au cours de la mise en place du portrait.

Une chose avant tout, que vous devez garder à l'esprit. Pour positionner correctement les proportions, il faut avancer carreau par carreau en suivant votre modèle (photo de référence).

Le visage et les cheveux

Lorsque vous exécutez un portrait, commencez toujours par les yeux. Prenez le temps de bien positionner le regard, c'est le point de départ de toute la construction du portrait.

Puis positionnez le nez et commencez à ombré au crayon HB. Pour les cheveux en un premier temps, tracez le contour extérieur sans trop vous perdre dans les détails, ainsi que l'oreille. Après, peaufinez les détails en ombrant au crayon HB.

La barbe

Vous allez procéder comme pour la chevelure. D'abord les contours puis après les détails.

Le buste

A ce stade notre portrait est déjà bien avancé, le plus dur est fait. Comme précédemment, nous allons tracer les contours de la veste, la chemise et le noeud papillon. Puis ombrez au crayon. Sur la photo, remarquez la façon de ombré le col de la veste.

Conclusion

Et voila notre portrait est terminé ! Comme vous pouvez le remarquer, malgré la complexité d'un sujet, les proportions restent justes.

Un petit rappel :

Lorsque vous placez le quadrillage, n'appuyez pas trop, ainsi vous pourrez le gommer après. Bien entendu si vous travaillez sur une toile, il n'est pas nécessaire de gommer. Car le quadrillage sera tout simplement, recouvert par les couches picturales.

Dans le prochain article "Dessiner un portrait au feutre" nous verrons ensemble, comment mettre au noir ce portrait.

J'espère que cet article vous a été utile.

A bientôt, Dominique Galietti

 Le papier est bien sur le support, le plus commun et le plus accessible. Cependant, il faut l'adapter selon les différentes techniques. C'est pourqoi, quelques paramètres sont à prendre en compte pour choisir son papier : 

• Le grammage
• La finnition
• Le format

Au XIVe siècle, le papier était fabriqué à la main. Chaque moulin avait son propre format. Vers la fin du XIVe siècle la ville de Troyes, oblige les fabricants de papier, à produire des formats définis. Puis le roi Charles VI ordonna en 1409, que chaque forme soit contrôlée par le prévôt de Troyes.

Afin d'éviter la fraude, chaque feuille devait portée le filigrane (marque) du papetier. Alors, ils ont utilisé des marques simples inspirées de leur quotidien : couronne, pot, grappe de raisin, nom de Jésus, etc. Certains noms sont toujours utilisés. Plus tard, d'autres noms ont été ajoutés, comme ceux pour désigner un métier ou pays (États Unis, Angleterre, etc.).

 Le grammage

C'est le poids du papier en grammes par mètre carré (g/m²). Plus le grammage est fort, plus le papier est résistant à l'humitité. Donc, il important de choisir le grammage du papier en fonction de la technique : sèche ou humide.

Voici quelques points de repères.

—Le 125 g/m² convient pour l'étude, l'esquisse et le croquis

—Le 180 g/m² est ni trop épais ni trop fin, il est idéal pour le dessin d'art.

—Le 270 g/m² est déjà résistant et convient à toutes les techniques sèches. Il peut être utilisé dans certaines techniques humides, telles que l'encre ou la gouache.

—Le 300 g/m² pour les techniques humides telles que l'acrylique ou l'aquarelle. Pour les grands formats, privilégier le papier à 425 g/m² ou plus. Mais attention, leurs prix sont très élevés. Donc Je déconseille au débutant, de démarrer sur ce type de format.

 Le format

Pour le papier dessin, il existe des formats français normalisés par l'AFNOR. Ce sont des formats spécifique, dont les noms proviennent des anciens filigranes (Jésus, Raisin, Couronne, etc.).

Ensuite on trouve aussi dans le commerce, des formats standards internationaux. Ils sont normalisés par ISO et adoptés en France depuis 1970. Ils sont présents dans tous les domaines graphiques. Ils partent du format A0 qui équivaut à 1m². Puis chaque format inférieur est obtenu en divisant par deux la longueur du format précédent.

La finition

C'est la texture d'une feuille de papier. En termes clairs, il s'agit du type de grain du papier qui peut être satiné, fin ou torchon. Un grain satiné est plus lisse et un grain torchon est plus grossier. Le grain torchon ou fin sont surtout employés pour l'aquarelle, l'acrylique, le lavis et la gouache.

 A-grain satiné, B-grain fin, C-grain torchon

Pour le pastel sec, il existe des papiers appropriés disponibles en plusieurs couleurs. L'avantage du papier teinté, c'est que l'ont part sur une valeur de base, sur laquelle on ajoute les lumières et ombres.

Il existe également le papier à grain toilé qui est déjà apprêté. Il convient à la peinture à l'huile et à l'acrylique.

J'espère que cet article vous a été utile.

A bientôt, Dominique Galietti

Le choix d'un chevalet, se fait en fonction de vos besoins. Donc plusieurs éléments sont à prendre en considération : peindre en atelier ou à l'extérieur, l'espace que vous disposez, la technique, ainsi que les dimensions de vos créations.

Voici les différents points de cet article :

• Les diffétents types  de chevalets.
• Les chevalets d'atelier.
• Le chevalet de campagne.
• Le chevalet de table.

Les différents types de chevalets

Le chevalet est le support, sur lequel l'artiste pose l'oeuvre pendant sa création. On peut placer dessus : des toiles sur châssis, des cartons à peindre ou des feuilles préalablement fixées sur une planche à dessin.

Voici un aperçu des modèles les plus utilisés, tant par les amateurs que les professionnels : 

Les chevalets d'atelier

 Ces chevalets sont faits pour l'intérieur. Parfois ils sont munis d'un casier pour le matériel de peinture ou de dessin. Ils ont une armature robuste et une inclinaison ajustable. Ils peuvent recevoir des toiles de grandes dimensions tout comme des petits formats. Par contre pour entreposer ce type de  chevalets, il faut prévoir un certain espace. Ils se divisent en deux grandes catégories :

 Les trépieds

 En générale ce sont des modèles "classiques" pour la peinture. Vous pouvez les trouver avec ou sans sabot et à crémaillère ou simple. Le sabot est une pièce mobile en bois, qui sert à maintenir la toile par le haut. Quant au tablier, c'est le socle sur lequel repose la toile. Derrière le tablier, est fixé le boîtier de coulissage pour réglé la hauteur.

A simple B à crémaillère

Les socles en H

Ce sont des chevalets assez robustes et droits, à crémaillère ou à manivelle. Certains modèles sont simples ou à double face et peuvent recevoir des toiles jusqu'à 220 cm. Ils sont très stables par leur socle en H, et souvent équipés de roulettes pour les déplacés. Certains sont même inclinables. Pour entreposer ce chevalet, il faut prévoir une pièce assez spacieuse.

A à crémaillère B simple à manivelle

Le chevalet de campagne

C'est un chevalet conçu pour peindre à l'extérieure. Pliable, constitué d'un trépied télescopique. Il peut être déplacé facilement. Certains modèles offrent l'avantage d'être équipés d'un coffret pour le matériel de peinture, et peuvent accueillir des toiles d'un format moyen.

A avec boîte de matériel B trépied simple

Le chevalet de table

Comme son non l'indique, ce chevalet de très petite taille (30 à 50 cm), est destiné à être posé sur une table. C'est le support idéal pour ceux ont un espace de travail restreint. Il est conçu pour des petits formats, et pour les créations qui nécessites une certaine proximité de travail. Vous pouvez même le ranger dans un placard, car il se plis facilement. Pour ceux qui démarrent dans la peinture, ce modèle est un excellent compromis.

J'espère que cet article vous a été utile.

A bientôt, Dominique Galietti

Paul Cézanne 1822-1906

En peinture on appelle contraste, l'écart de luminosité entre une ou plusieurs couleurs. C'est par le contraste, que l'artiste peut modeler sa composition, donner de la profondeur à un paysage. De tout temps les peintres ont étudié et écrit des traités sur les différentes façons de créer des contrastes. Face à la complexité du sujet, dans cet article nous allons aborder les contrastes les plus simples à réaliser.

Le contraste de la couleur en soi

En peinture, il est le plus simple de tous. Pour le représenter, il faut au mois trois couleurs de nature nettement différentes et pures. Tout comme le blanc et le noir, est le contraste clair/obscur maximum, les trois couleurs primaires sont le contraste de la couleur en soi maximum. Une composition faite sur cette base est franche et forte.

Contraste en soi maximum par les primaires

Lorsque les couleurs primaires diminuent, la force de ce contraste devient moins puissante. Les peintres modernes ont créé des compositions en partant de ce principe : Mondrian, Matisse, Kandinsk,etc.

Piet Mondriant 1872-1944

Le contraste clair/obscur

Ce procédé de contraste, était déjà connu par les artistes de la Grèce antique. Léonard de Vinci (1452-1516) le pratiquait déjà. Mais c'est Caravage (1571-1610), qui plus tard dans sa peinture, développa le mieux ce procédé.

Michelangelo Merisi da Caravagio dit Caravage 1541-1610

En peinture, cette technique consiste à faire surgir sur un fond sombre, une composition très lumineuse. C'est pour ainsi dire l'ombre et la lumière. Mais tout contraste extrême peut être dosé en peinture. Car entre ces deux valeurs, se place une infinité de tons clairs et foncés. Ces différents niveaux de tons, produisent un contraste plus ou moins fort, selon que les niveaux juxtaposés seront plus ou moins éloignés l'un de l'autre.

Contraste dosé avec des gris

Le contraste des complémentaires

Le traité des couleurs de Goethe (1749-1832) a beaucoup influencé les artistes peintres sur la recherche des contrastes des complémentaires.

De nos jours ce contraste est très employé dans la publicité. Les panneaux des enseignes commerciales en sont des exemples. Mais en peinture, la règle n'est pas la même. Car pour créer une harmonie qui soit à la fois subtile et agréable à l'oeil, l'artiste doit mélanger, selon différentes quantités les complémentaires.

Contraste des complémentaire entre : le violet et le rouge-orangé

Le contraste chaud/froid

On dit qu'une couleur est chaude, lorsqu'elle nous suggère le sentiment de la chaleur, de feu ou d'ensoleillement. Elle est froide lorqu'elle inspire la sensation de froid, d'ombre, de végétation. Le contraste chaud/froid est le plus éclatant de tous.

Dans le cercle chromatique, le jaune et le violet est le contraste clair/obscur maximal. Les couleurs rouge-orangé et bleu turquoise qui se trouvent à l'angle droit de l'axe jaune violet, sont un contraste chaud-froid maximum. Le bleu-turquoise étant la couleur la plus froide et le rouge-orangé la plus chaude. Comme tout contraste extrême, il peut être dosé.

Contraste chaud/froid maximun

Les peintres impressionnistes, ont su brillamment exploité ce contraste dans leur oeuvres. Notament Auguste Renoir, dans son très célèbre tableau " Le bal du Moulin de la Galette".

J'espère que cet article vous a été utile.

A bientôt, Dominique Galietti

Dans cet article nous allons voir les points suivants :

• Les couleurs primaires en peinture.
• Les couleurs secondaires.
• Les couleurs tertiaires.
• Les couleurs complèmentaires.
• Le fonctionnement du cercle chromatique.

Les conseils que je vous donne dans cet article, sont des bases pour apprendre à créer vos propres couleurs en peinture acrylique. Pour mettre en pratique ces bases, commencez par de simples exercices tels que:
- Partir sur une couleur de base et la déclinée en plusieurs nuances différentes.

- Étudier les contrastes et la lumière sur des formes géométriques simples telles qu'un cube, une sphère, etc.
Ainsi progressivement vous allez vous familiariser avec les couleurs et la peinture !

Les couleurs primaires en peinture

En peinture la couleur est considérée comme une matière. La peinture est composée de différents matèriaux : pigments en poudre, liants, et diluants. Elle peut prendre un aspect fluide ou en pâte selon les techniques utilisées. Une couleur est dite primaire lorsqu'elle n'est pas obtenue par le mélange d'autres couleurs. Les couleurs primaires sont au nombre de trois : le rouge (magenta), le bleu (cyan), le jaune primaire.

En plus de ses trois couleurs il faut ajouter un blanc. Il est utilisé de deux façons :

1. Pour éclaircir une couleur (mélangé).
2. Pour faire entrer la lumière dans une composition (pur).

Concernant le noir

Le noir est très peu utilisé en peinture, pour assombrir les couleurs. Tout comme se servir du noir pour poser une ombre, n'est pas conseillé. Pour foncer une teinte sans pour autant la ternir, il suffit de la mélangée avec sa complémentaire. Il faut juste modérer le dosage de la complémentaire (plus ou moins), pour avoir  la tonalité désirée. Toutefois si vous désirez un noir, il suffit de mélanger à parts égales les trois couleurs primaires.

Les couleurs secondaires

Le mélange en parts égales de deux couleurs primaires produit ce que l'on appelle une couleur secondaire. Elles sont au nombre de trois : vert, violet et orange.

Les couleurs tertiaires

On obtient une couleur tertiaire par le mélange d'une primaire à une couleur secondaire voisine. Par exemple : le bleu et le vert donnent le turquoise, le bleu et le violet l'indigo, etc.
Donc sur le cercle chromatique on retrouve douze couleurs : trois primaires, trois secondaires et six tertiaires.

Les couleurs complémentaires

En peinture les couleurs  complémentaires, apportent le modelé et le contraste dans une composition. Étant donné qu'une couleur n'est complémentaire que par rapport à une autre, elles fonctionnent par paire.

Dans le cercle chromatique, deux couleurs sont complémentaires lorsqu'elles sont placées à l'opposé par exemple : le vert est la complémentaire du rouge. En juxtaposant deux couleurs, une complémentaire et une primaire, on obtient un contraste maximum.

Le fonctionnement du cerle chromatique

  Légende :

C complémentaire, S secondaire, P primaire

Le triangle isocèle en pointillé noir : créer une harmonie de trois couleurs avec une primaire, sa complémentaire et secondaire. Exemple : si votre couleur primaire est le bleu sa complémentaire sera l'orange. Ces deux couleurs peuvent s'associer à une couleur tertiaire de l'orange.

Le triangle équilatéral en pointillé noir : créer une harmonie avec trois couleurs complémentaires ou trois secondaires. Exemple : si votre couleur de base est le violet, les deux autres couleurs en harmonie sont le vert et l'orange.

J'espère que cet article vous a été utile.

A bientôt, Dominique Galietti